MM posmodernismo "Origenes"

Jacques Derrida

MM Apropiación

PARTE 1

PARTE 2

Apropiacion (trabajo de equipo)

Examen

Define el concepto de deconstrucción:

Alguno autores manejan que no fue un movimiento, fue un “ismo”, se basa en la idea de no destruir, sino desglosar y reconstruir de una manera no convencional en cuestiones de diseño, es decir desmantelar la composición y crear una nueva con nuevos métodos, desde el juego de tipografía, hasta el manejo “incorrecto” del color.

Explica cual seria un método para realizar un diseño deconstructivista:

El mezclar las cajas de texto, voltear los títulos, o bien que las mismas cajas formen una figura específica, o crear un diseño como se realiza convencionalmente y cortarlo en partes para después armarlo de diferente manera.

Menciona cuales son las características de los diseños de la deconstrucción:

A veces era legible, no tenía un orden especifico, jugaban con las cajas de tipografía y mezclar diferentes tipografías, generalmente aplicado en carteles.

Cartel

Bocetos

MM Deconstrucción

Un segundo MM por la poca legibilidad del anterior.

MM posmodernismo

 

Antecedentes Diseño Radial

Constructivismo Ruso

En Rusia nos podemos encontrar con algunos artistas de vanguardia cuyas obras se encuadran en la Rusa post revolucionaria. Se busca la pureza del arte, una vez mas, desechando lo anecdótico. Las formas geométricas se convierten en protagonistas nuevamente. Muchos de estos artistas fueron profesores en la Bauhaus. Valdimir Tatlin es el líder de estos constructivistas: algunos de los mas destacados fueron Alexander Rodchenko con obras como Amarillo puro, Azul puro, Rojo puro, 1918, el Lissitsky, Laszlo Molí-Nagy o Josef Albers.

Encontrados también una abstracción biomorfica paralela, a la constructivista, que nació de las formas de Jean Arp o Alexander Calder, con sus esculturas móviles. Las formas orgánicas son la base de estas obras. Fueron muy influyentes en el estilo definitivo de Miró, que también tiene un gran componente orgánico, los artistas citados acabaron fundando un grupo denominado abstracción-creación.

Conclusión

El constructivismo ruso tuvo una gran influencia sobre los demás estilos artísticos, debido a que en este se busco la sobriedad y un equilibrio muy estético para la época en el que este surgió, en lo personal me agrada la composición que se busco en el componente orgánico, provoca una sensación visual muy agradable.

Fluxus Art

Fluxus es un movimiento artístico. Se han escrito muchos libros, pero nadie ha sabido definir demasiado bien qué significó Fluxus, un movimiento muy ligado a la performance y con aires cercanos al dadaísmo.

FIUXUS (flujo , fluir.) fue un grupo internacional de artistas de vanguardia creado en

Alemania por George Maciunas en 1962, y activo hasta comienzos de los años setenta. Entre sus miembros no había identificación alguna de estilo y afirmaban que su objetivo era purgar el mundo de la enfermedad burguesa del arte muerto, favorecer la corriente y el flujo revolucionarios,

Promover el arte vivo, el anti-arte; es un movimiento sin normas ni directrices, un estado del espíritu, una nueva forma de arte, que eleva las cosas sencillas de la vida a la categoría de obra de arte. En Fluxus todo vale y a la vez nada es imprescindible. Los artistas Fluxus se opusieron a la tradición artística y al profesionalismo en las artes, base ésta del pensamiento de Valcárcel Medina.

Aunque hubo festivales Fluxus en muchas ciudades europeas Nueva York se convirtió en el centro de actividades del movimiento, centradas fundamentalmente en los Happenings.

Entre los artistas que participaron en el movimiento había miembros relevantes de la vanguardia de diversos países como Robert Filiou, Dick Higgins, Nam June Paik, Yoko Ono, Ben Vautier, George Brecht o Wolf Vostel entre otros, si bien el artista mas famoso del grupo fue Joseph Beuys, profesor de escultura monumental en la Academia de Bellas Artes de Dusseldorf, considerado internacionalmente como uno de los artistas que más ha influido en el desarrollo de las artes plásticas occidentales después de la Segunda Guerra Mundial. Fluxus fue el movimiento más radical y experimental de los años sesenta; sus propuestas de negación del objeto artístico fueron más allá incluso que las hechas por los artistas conceptuales unos años después.

Conclusión

El Fluxus art fue un movimiento en el que podriamos nombrarlo como una rebelión ante el arte, pero aunque sus obras eran o son bastante interesantes, cabe decir que era una corriente que desde lo mas simple o espiritual era arte, dejando atrás todas los fundamentos artisticos implementando un estilo diferente al cotidiano.

La generación Beat

A finales de los años ‘50 y a principios de los ‘60, un tipo de jóvenes llamados hipsters comenzaron a criticar duramente el gran sueño "americano" y a reaccionar ante la inauguración de Estados Unidos como la primera potencia. Un estado de ser en el que seguramente jóvenes se hallaban mejor fuera del sistema.

A partir de este contexto aparecieron los Beats. Jóvenes sin actividades, o jóvenes intelectuales, que todos coincidían en unir el romance hacia la vida, los pesares elementales, el existencialismo moderno, junto a una vida bohemia que representaba la actitud vital. Por esto la filosofía Beat se expresó con más sentido en los escritores de la época, quienes deseaban desarrollar un imaginario nuevo, textos e ideas diferentes. La inspiración era lo que más buscaban, por ello hacían viajes, y vivían en carreteras, entre cafeterías, alcohol y máquinas de escribir.

El movimiento Beat de los Estados Unidos generó escritores legendarios, entre ellos Allen Ginsberg, Jack Kerouac y William Burroughs, quienes eran amigos durante la época. Décadas más tarde, son considerados referencias ineludibles en la literatura y el antecendente a la contracultura de los '60.

Los Beats descubrieron que la prosa en sus libros podía tener un nuevo ritmo, y ser el concepto responsable de una vida más honesta, de una crudeza directa. Era el momento de las verdades, de la crítica y del sarcasmo. Decían que tenían que burlarse del mundo, pues era lástima y desilusión lo que les producía.

Los beats impusieron un estilo en el que el ritmo no es ajeno a la idea: la idea es la forma, es el concepto y es el por qué de cada palabra. Desdeñaban la forma y fortalecieron el contenido. Robert Creeley decía que “la forma es nada más que una extensión del contenido”, el contenido es lo primero, “ pues sin contenido nos quedamos mudos”.

El estilo literario de este movimiento representaba el rescate del coloquialismo, del relato que utiliza un conversacionalismo ligero y rudo. El texto poético narraba la cotidianidad, para ello no debía ser un tratado autobiográfico: era más efectivo un verbo agresivo, aunque lo disimulara bien.

Conclusión

A modo de conclusión podemos dar referencia a que los impulsores de la generación beat vinieron imponer una forma de expresión literaria, la que consto de hacer criticas fuertes al estado debido a la problemática que en ese entonces se vivía, también implementaron a modo literario el sarcasmo, El movimiento Beat utilizaba en su estilo el realismo, lo experimentado, lo que se ve pero nadie dice.

El Dadaísmo

El movimiento dada nació en 1916 en Zurich, en Suiza neutral, en el seno de un grupo de artistas que se oponía a la guerra. Un famoso café local, cabaret Voltaire, fue el punto de encuentro de los intelectuales en busca de un plan elemental al que, por su extrema simplicidad llamaron “dada” una onomatopeya infantil.

La guerra de 1914-1918 provoco que el grupo de artistas se disolviera pero bien el espíritu dada permaneció. Dada de hecho, era cualquier forma de protesta o de acción en contra de los valores establecidos. Los pintores abandonaron los pinceles tradicionales y crearon sus obras directamente con madera, hierro, trapos y fotomontajes.

Los dadaístas mas conocidos son: Hans Arp, Marcel Duchamp, Man Ray, entre otros.

Técnicas experimentales

El collage es una técnica inventada por los artistas de vanguardia que consiste en encolar sobre un soporte elementos heterogeneos, como recortes de periodico y otros objetos.

El fotomontaje dada consiste en manipular el material fotografico o deformar imágenes a partir de fotografias.

Hans arp trabaja con partes onduladas, blandas, de colores brillantes y sin ninguna relación con la realidad.

El Ready made contempla los objetos comunes fuera de su contexto habitual y los eleva a la categoría de obra de arte.

Conclusión

En pocas palabras el dadaismo es un arte conceptual, es un arte que viene en cierto punto de la improvisación del artista, es un arte muy llamativo y simple.

El Futurismo

El Futurismo es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en el primer decenio del S. XX mientras el Cubismo aparece en Francia. Gira en torno a la figura de Marinetti, quien publica en el periódico parisiense Le Figaro el 20 de Febrero de 1909 el Manifiesto Futurista. Proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición, defendiendo un arte anticlasicista orientado al futuro, que respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades.

En 1910 ya se puede hablar de un grupo liderado por Marinetti. Trabajarán artistas como los pintores Russolo, Carrá, Boccioni, Balla o Severini. El futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado, especialmente en Italia, donde la tradición artística lo impregnaba todo. Quieren crear un arte nuevo, acorde con la mentalidad moderna, los nuevos tiempos y las nuevas necesidades. Para ello toma como modelo las máquinas y sus principales atributos: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento y la deshumanización. Dignifica la guerra como espacio donde la maquinación, la energía y la deshumanización han alcanzado las máximas metas.

La característica principal del futurismo es la plástica del dinamismo y del movimiento. El efecto de la dinámica se transmitía en vibrantes composiciones de color que debían producir un paralelismo multisensorial de espacio, tiempo y sonido. Al principio, se valieron para la realización de sus objetivos artísticos de la técnica divisionista, heredada del neoimpresionismo y más tarde se aplicó la técnica cubista de abstracción como procedimiento para desmaterializar los objetos. A partir de estas premisas, la representación del movimiento se basó en el simultaneismo, es decir, multiplicación de las posiciones de un mismo cuerpo, plasmación de las líneas de fuerza, intensificación de la acción mediante la repetición y la yuxtaposición del anverso y del reverso de la figura.

Conclusión

Como conclusión podemos mencionar que el futurismo vino a contrastar todas las demás arte, como se menciona anteriormente este tipo de arte vino a imponer nuevas tendencias artísticas que se basaron el el plano modernista y tecnológico de esos tiempos; en lo personal este tipo de arte es el que mas me agrada porque tiene un estilo visual muy llamativo y en ocasiones impone fuerza y creatividad.

Pop Art

Procedente de los Estados Unidos y junto con el chicle, el boogie-woogie y el rock´n´roll, llego a Europa una bocanada de aire fresco: el Pop Art.

Este movimiento artístico nacía de una cultura juvenil y llamada la atención sobre las apariencias cotidianas de la vida norteamericana. Los habitantes de las populosas ciudades están constantemente sometidos a la presión de los medios de comunicación de masas: el cine, la televisión y la publicidad.

Los supermercados, con todos sus productos industriales. Todo este universo metropolitano, que ya es típico de nuestras ciudades, fue puesto por todos los artistas norteamericanos como una forma de arte, o mejor dicho de no arte.

Conclusión

Podemos decir que este tipo de arte llamado Pop Art vino a darle un giro a la vida como la conocíamos, debido que a partir de este movimiento el arte y porque no hasta la publicidad cambio de un modo muy drástico, imponiendo una nueva tendencia cultural y visual.

Al hablar de los antecesores de la historieta, es inevitable nombrar a los antiguos egipcios, que representaban muchos de sus mitos en dibujos y jeroglíficos que realizaban sobre hojas de papiro, y también hacían murales en forma de tira, que incluían imagen y texto. Otros ejemplos son las cristaleras, el tapiz de Bayeux, las bandas que rodean las columnas romanas conmemorativas (como la Trajana o la de Marco Aurelio), los retablos medievales (con los que, mediante imágenes, se explicaban al pueblo historias, crímenes y sucesos en general), los dibujos de las civilizaciones precolombinas (como los códices, pintados por los mayas y los aztecas) e incluso las primitivas pinturas rupestres. A estos ejemplos citados se pueden agregar algunas obras pictóricas de Hyeronnimus Bosh, Brueghel o Goya, las cuales adquieren un carácter narrativo. Pero quizás los antecedentes más cercanos a las historietas sean las Aucas y Aleluyas, destinadas fundamentalmente a satisfacer las necesidades de instrucción de niños y adolescentes.

Estas publicaciones, que comenzaron a editarse en Francia a partir de 1820, se caracterizaban por narrar pequeños cuentos y aventuras mediante ilustraciones, aunque, a diferencia de la historieta, los textos no se integraban orgánicamente dentro de los dibujos, sino que se adicionaban a modo de explicación complementaria al pie de los grabados. Sin embargo, la historia del cómic se relaciona más correctamente con la de la imprenta y la caricatura. La historieta (que nace casi al mismo tiempo que el cine) pronto desarrollará su particular lenguaje icónico, y las primitivas viñetas, todas del mismo tamaño y con los textos al pie o tímidamente incluidos en el dibujo, serán sustituidas por viñetas de diferentes tamaños y situación y, sobre todo, evolucionarán rápidamente los modos y alcances de los textos.



Estos se incluirán, casi desde el principio, en globos o bocadillos; su particular forma, así como el tamaño y dibujo de las letras, constituyen, por sí solos, todo un modo de expresión independiente. El uso de onomatopeyas, escritas con grandes letras, ciertos símbolos ya universalmente aceptados (como una sierra cortando un tronco para indicar sueño o una bombilla que se enciende para explicar que el personaje ha tenido una idea) tienen un alcance comunicativo que difícilmente puede lograr otro medio de expresión. Inicialmente estas historietas tenían carácter cómico, de ahí el nombre: cómic-strip (tira cómica).


Cómic



Se considera que Norteamérica es la cuna del cómic, pues allí se inició su publicación en forma masiva en los periódicos, y también se empezaron a publicar los "comics books" (revistas de comics). El origen de la historieta en los Estados Unidos está estrechamente ligado al desarrollo del periodismo moderno. La causa principal fue la lucha de poderes de Hearst y Pulitzer, dos magnates de la prensa norteamericana, en la puja por la conquista de nuevos lectores de los diarios de información. Hearst se hace a su propio equipo de dibujantes y se trae del "World" a Richard F. Outcault, quien es considerado el pionero de la literatura dibujada. La primera página de historietas del "World" apareció el 9 de abril de 1893, se hicieron los primeros experimentos con el color, y Outcault crea a "Yellow Kid" (el Pibe Amarillo), personaje que refleja la vida de los bajos fondos y se convierte en la principal atracción del diario (dibujo de la derecha). En 1897 produce, para el "New York Herald", un nuevo personaje, "Buster Brown"; este nuevo pibe pertenece a la clase alta.

Bibliografía

http://www.mipunto.com/temas/2do_trimestre06/generacion_beat.html

http://revistas.um.es/imafronte/article/view/37731/36231

http://www.csi-csif.es/andalucia/modules/mod_ense/revista/pdf/Numero_25/HELENA_%20MARIA_PEREZ_MOLINA01.pdf

Historia ilustrada del arte

Editorial Susaeta

María Carla Prette

Alfonso de Gorgis

Cuatro lecciones sabre el comic

Antonio Ballestero

Claude Duee

Univ. De Castilla-La Mancha

Cuenca Zooo